Crítica de ‘Marty Supreme’: Timothée Chalamet traz a energia do caos para esta comédia esportiva de proporções míticas

A cidade de Nova York não é tanto um personagem em Marty Supremo pois é o décimo círculo do inferno, a partir do qual o desesperado e de olhos arregalados Marty Mauser (Timothée Chalamet) espera lançar-se ao estrelato do pingue-pongue. O que parece, à distância, um filme biográfico comum de época - Mauser é vagamente baseado no extravagante astro do esporte judeu nova-iorquino Marty Reisman - rapidamente se torna uma febre delirante e encharcada de suor que se recusa a ceder. Mas, apesar de todo o seu caos, as reflexões do filme pós-Segunda Guerra Mundial estão longe de ser aleatórias. Tanto quanto Marty Supremo é uma história barulhenta, propulsiva e explosiva de um azarão do esporte, é também sobre a ingenuidade vibrante da juventude, as ansiedades do judaísmo moderno e a confusão sem remorso causada por alguém casualmente ignorante da história enquanto tenta deixar sua marca nela.

Diretor Josh Safdie – metade da dupla de irmãos por trás Bom momento e Gemas brutas - reúne-se novamente com vários de seus colaboradores habituais e entrega um gotejamento intravenoso profano de Red Bull e combustível de aviação. São duas horas e meia Rochoso Saga em que a tradicional montagem de treinamento de retorno se desenrola em seu próprio desvio de crime cinético, sobre um pastor alemão chamado Moses e seu dono mastigador de cenários (Abel Ferrara). A tela fica repleta de uma cavalgada de rostos inesperados (e maravilhosamente humanos), do tipo que Josh e seu irmão Benny há muito lançam entre não-profissionais. Mas embora a recente saída de Benny, A máquina esmagadora , pisado atraente, mas familiar terreno biográfico, Marty Supremo coça aquela coceira muito particular, assumidamente judaica e profundamente indutora de ansiedade pela qual os Safdies se tornaram conhecidos com thrillers de pia de cozinha de Nova York como Deus sabe o quê .

A tensão dos filmes anteriores da dupla é ampliada no esforço solo de Safdie. A câmera frenética, cortesia do famoso diretor de fotografia Darius Khondji, captura o conjunto extenso e dinâmico em curvas fechadas e com lentes longas que os vigiam em ambientes íntimos. O salto imediato do filme para close-ups e argumentos sobrepostos nos leva ao fundo do poço ao apresentar sua lista, desde o falante Mauser, até seu tio autoritário Murray Norkin (Larry Ratso Sloman), em cuja loja de sapatos decadente ele ainda trabalha, até sua melhor amiga de infância casada, Rachel Mizler (Odessa A'zion), uma balconista de pet shop com quem ele ainda tem um caso - e muitos, muitos mais. Depois de segurar sem entusiasmo seu primo obediente Llyod (Ralph Colucci) sob a mira de uma arma, Mauser consegue o dinheiro que precisa para voar para Londres para uma grande abertura de tênis de mesa.

O ano é 1952. O desporto ainda está em ascensão e a Segunda Guerra Mundial mal está no retrovisor das pessoas, mas isso não impede Mauser, de 23 anos, de fazer piada sobre [lançar] uma terceira bomba atómica sobre os seus adversários japoneses, ou [fazer] o que Auschwitz não conseguiu ao enfrentar o rival judeu húngaro e sobrevivente do Holocausto Béla Kletzki (Géza Röhrig). Posso dizer que sou judeu, ele brinca com a imprensa ansiosa, como se Safdie estivesse pedindo permissão para ir a alguns lugares espirituosos e extremamente desconfortáveis. Mauser e Kletzki são amigos, e o ágil americano até incentiva seu amigo mais velho a contar histórias dos campos, mesmo que apenas como uma distração para que ele possa dar em cima da ex-estrela de Hollywood e também convidada do Ritz, Kay Stone (Gwyneth Paltrow), o objeto de meia-idade de seu olhar arrogante e monocelha.

Por trás de óculos grossos e octogonais, Mauser incomoda e seduz Stone, um papel que serve como o retorno dramático de Paltrow depois de muitos anos, e lhe dá a chance de caminhar na linha tênue entre o desejo e a exaustão. Ela consegue ver através das besteiras juvenis de Mauser, mas também fica encantada com isso. Ao longo do tempo de execução, o vendedor eloquente também é deixado para navegar sob o olhar atento do irado marido de Stone, Milton Rockwell ( Tanque de Tubarões (Kevin O’Leary, convocando um desempenho esplêndido das profundezas do inferno), um rico magnata da tinta e caneta cujo interesse na carreira de Mauser é puramente financeiro. Depois de perder para o surdo virtuoso japonês Koto Endo (Koto Kawaguchi) - o único personagem que calmamente corta a cacofonia do filme - um abatido Mauser é forçado a retornar à obscuridade do fundo do poço do apartamento apertado no Lower East Side que ele divide com sua mãe autoritária (Fran Drescher). Ele tem que lutar e trapacear para voltar ao próximo torneio no Japão, ao mesmo tempo que tem que lidar com a realidade de que Rachel está grávida e o bebê pode ser dele. Seguem-se travessuras, e mais algumas.

As risadas e as emoções a cada minuto do filme nascem não apenas das idiossincrasias insensíveis dos personagens, mas de cenas esportivas mundialmente editadas rapidamente e de uma estrutura apropriada de pingue-pongue que faz Mauser voar entre situações malucas na velocidade do som. O desempenho incandescente de Chalamet cria um egocêntrico arrebatador e profundamente identificável, que pensa que pode sair de qualquer situação - até mesmo de um acidente de carro. Ele é um mentiroso experiente, tão convincente que pode alterar suas convicções fundamentais se isso significar ganhar dinheiro rápido. Mauser é um idiota astuto, mas Chalamet pode secretamente ser o protagonista mais inteligente de Hollywood moderna, dada a forma como ele envolve cada princípio da história e do design em torno de si para moldar sua concepção do personagem. Sua postura desgrenhada e animal ferida, sua entrega motorizada e sua ambição voraz impulsionam o filme para frente, convocando cada cena subsequente enquanto Mauser praticamente salta de sua pele. Ele está impaciente para avançar para a próxima coisa; a próxima jogada, o próximo jogo, o próximo degrau do estrelato.

Porões escuros e hotéis decadentes são os anfitriões desta jornada perigosa, cada um representado com a intensidade de salas de interrogatório. Poucos filmes desde a comédia noturna de Martin Scorsese Depois do expediente enquadraram Nova York como um espaço invasivo, determinado a impedir que uma pessoa simplesmente sobrevivesse. Esta energia opressiva é o obstáculo perfeito para Mauser, que tenta manter um idealismo pós-guerra apesar do aperto no bolso, dando origem a uma crença irrestrita no mundo e na sua capacidade de moldá-lo. Assim que ele se reconecta com Rachel, o filme começa a adquirir propriedades estranhas que beiram o misticismo. Dinheiro e oportunidades caem no colo de Mauser – o filme tem muitos deus ex machina contar - apenas para o atleta empreendedor tentar comer seu bolo, comê-lo também e foder também.

Tudo nesta história de luxúria, ganância e ego desenfreado vem imbuído de um significado praticamente religioso, graças aos zooms lentos da câmera e aos push-ins atraentes. A abordagem visual de Safdie cria uma sensação de mistério urgente em torno de cada pessoa e objeto, especialmente quando impulsionada pela partitura etérea e cintilante de Daniel Lopatin, que domina a paisagem sonora na veia de Vangelis no auge de seus poderes na década de 1980. Combinado com a implantação pontual de sucessos de meados dos anos 80, como a faixa synth-pop de Alphaville Eternamente jovem e a balada pop-rock de Tears for Fears Todo mundo quer governar o mundo , o filme é acusticamente desvinculado do tempo e do estilo. Assim como a Mauser, ela está ansiosa para avançar. Na maioria das vezes, ecoa o tipo de indie hiperativo de Nova York popularizado por John Cassavetes e outros dissidentes do Lower East Side do cinema No Wave dos anos 70 e 80, filtrado através de um orçamento enorme e lentes eclesiásticas.

Mauser, preso entre seu papel pré-ordenado no varejo e seus sonhos de estrelato, rapidamente assume dimensões de classe com camadas teológicas surpreendentes. Em pouco tempo, um debate dramatizado sobre o livre arbítrio e a existência de uma divindade benevolente emerge sutilmente de debaixo da confusão. Uma história impregnada de seguro , ou dúvida rabínica, o filme parece perguntar: se existe um deus, ele está do lado de Mauser? Nenhuma dessas questões sombriamente cômicas é abordada explicitamente, em diálogo, mas o filme investiga a ideia de fé de várias maneiras, incluindo e especialmente apresentando um capitalismo moderno e gentio (personificado pelo implacável Rockwell), tanto como uma fonte constante de tentação e ansiedade para Mauser, quanto como um atrevidamente invertido mito da criação de Hollywood. A indústria cinematográfica norte-americana já foi o refúgio de executivos e criativos judeus que nos anos anteriores à Segunda Guerra Mundial teve sucesso através da assimilação apresentando ao público estrelas gentias. Marty Supremo vira completamente essa compreensão do mundo do cinema (e do mundo em geral, alterado pelo conflito global), com um magnata dos negócios WASP esperando patrocinar um atleta judeu como artista contratado. Nesta era reconstrucionista – financeiramente e no sentido do Judaísmo Reconstrucionista Norte-Americano – tudo parece possível. No entanto, para Mauser aceitar o acordo de Rockwell significaria desistir de uma próxima partida e, assim, destruir o futuro que ele deseja e acredita que merece como uma figura destinada à grandeza, embora pense que está sendo sabotado a cada passo.

Marty Supremo é um filme de criação de mitos em crise. Mauser parece não conseguir decidir sobre uma história de fundo, mas quando Kletzki conta sua própria história de compromisso moral e sobrevivência nos campos nazistas, é a única vez que o filme corta para um flashback, solidificando uma benevolência tão lindamente estranha que acaba se tornando sagrada. Na memória de Kletzki, ele se depara com uma colméia e ensaboa mel em seu peito para que seus companheiros de prisão possam lambê-lo para se alimentar. Estranho ao ouvido, mas lindo de testemunhar (e com trilha sonora como uma ópera barroca), é um raro momento de trégua do subterfúgio ofegante de Mauser e da claustrofobia geral do filme. Dá-nos uma visão brilhante de como pode ser a presença de Deus, num filme repleto de personagens cínicos que perseguem a religião do dinheiro e da fama. É difícil não imaginar se Mauser algum dia seria tão altruísta.

É improvável que sim, pelo menos quando o conhecemos. O filme é ainda melhor, dadas as aventuras selvagens e astutas de Mauser em torneios underground de tênis de mesa - cujos jogadores amadores ele enfrenta com o sofredor melhor amigo Wally (Tyler Okonma, também conhecido como rapper Tyler the Creator) - e seus desentendimentos estridentes com uma série de personagens coloridos, como um cochilo de cachorro com cara de pedra interpretado pelo lendário mágico de palco de Las Vegas, Penn Jillette. A prevalência de outros tipos de atores nesses papéis reforça as questões de autenticidade do filme, em um mundo que exige a venda em busca da grandeza. Todo mundo está atuando o tempo todo em Marty Supremo , mas alguma força alegórica invisível continua evocando lições de ironia dramática que inviabilizam seus enganos. Para cada roubo fingido, diamante de apoio, ferimento falso ou imitação de arma de fogo, geralmente há um verdadeiro à espreita ao virar da esquina, aumentando as apostas dez vezes ao torcer todos os parafusos possíveis.

E, no entanto, o próprio filme não pode deixar de inventar estranhas falsidades a serviço de um entretenimento hollywoodiano mais completo e desarmante. O seu enquadramento da década de 1950 como um estado de transição social leva a muita mitologização; Mauser pode não ter sido real, mas nasceu da admiração de Safdie e do co-escritor Ronald Bronstein por uma pessoa real. O filme traça a invenção fictícia da bola laranja de tênis de mesa (que, na realidade, só apareceria décadas depois), bem como o primeiro uso do famoso punho de caneta do esporte (cujas origens reais são mais nebulosas), e até mesmo o que parece ser o início do método moderno de atuação, durante um desvio onde Mauser visita um dos ensaios de palco de Stone na tentativa de seduzi-la/enganá-la.

Poucas obras na Hollywood moderna se inclinaram para a loucura da juventude com tanto entusiasmo, e menos ainda foram alimentadas por uma adrenalina tão ininterrupta, a caminho de uma catarse tão alegre. Não há nada igual.

Safdie chega ao ponto de colocar Mauser cara a cara com as Grandes Pirâmides, que o jovem vigarista acredita terem sido construídas por escravos judeus ( um mito comum ), instando-o a vandalizá-los e atirar um pedaço como uma lembrança justa. Ele é movido, acima de tudo, por uma crença quase fanática no que lhe é devido – uma perspectiva praticamente sionista que está sendo lentamente desmantelada. O que não significa de forma alguma sugerir que Marty Supremo é uma argumentação política, ou que esta dissecação é totalmente intencional, mas o seu período de tempo e a utilização cínica das narrativas do holocausto por Mauser ecoam ideias distintas em torno da identidade política actual. Como Gemas brutas antes dele (o que levou os editores de Correntes Judaicas para segurar um reunião de emergência sobre o judaísmo moderno), Marty Supremo está impregnado de atritos contemporâneos da fé e da cultura judaica, provavelmente decorrentes da experiência de Safdie. própria educação por um pai judeu não religioso. Afinal, que melhor maneira de conciliar o espiritual e o visceral do que um protagonista de origem mundana, que se considera divino?

A expressão desta divindade é através da textura física. O grão do filme 35mm parece vivo; cada superfície parece incandescente; cada bochecha corada e testa encharcada de suor pulsa com vida. Atos de criação abundam em Marty Supremo , inclusive na cena de créditos de abertura mais audaciosa do ano, cuja representação de um orgasmo nos bastidores se transforma hilariamente em um close microscópico da própria concepção. O resultado é uma brincadeira lindamente perversa impulsionada pelo puro poder da crença, produzindo uma intensidade destruidora de nervos e uma quantidade chocante de sangue. Todos esses florescimentos atuam a serviço de atividades individualistas estimulantes que são tão terrivelmente solitárias quanto revigorantes – como o sonho americano manifestado em toda a sua loucura e complexidade. Poucas obras na Hollywood moderna se inclinaram para a loucura da juventude com tanto entusiasmo, e menos ainda foram alimentadas por uma adrenalina tão ininterrupta, a caminho de uma catarse tão alegre. Não há nada igual.

Marty Supremo será lançado pela A24 em cinemas selecionados no dia de Natal de 2025.

Siddhant Adlakha ( @SiddhantAdlakha ) é um crítico de cinema e redator de ensaios em vídeo baseado em Nova York, originário de Mumbai. Ele é membro do Círculo de Críticos de Cinema de Nova York e seu trabalho foi publicado no New York Times, Variety. o Guardian e a revista New York.